24/10/2022 - 26/02/2023

La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea présente, du 24 octobre au 26 février 2023, l’exposition collective Hot Spot, sous le commissariat de Gerardo Mosquera.

Hot Spot tire son nom de l’œuvre éponyme de Mona Hatoum (Hot Spot, 2013), présentée dans l’exposition : une grande installation en fer et en néon qui représente la planète Terre illuminée d’une lumière rouge symbolisant les conflits qui la consume. L’œuvre raconte comment la société extractiviste conduit à la catastrophe environnementale. L’échec du projet de la modernité et du développement de l’humanité en harmonie avec son environnement est avéré et occupe résolument le devant de la scène dans le débat contemporain.

Le parcours de l’exposition rassemble les multiples réponses des artistes à ce contexte. Les œuvres sélectionnées nous plongent dans la complexité de la situation actuelle, offrant moins une perspective de dénonciation sociale qu’un activisme esthétique destiné à stimuler la réflexion et à sensibiliser à la catastrophe imminente, afin d’imaginer un autre rapport à la planète.

Comme l’explique le curateur Gerardo Mosquera : « Il est naturel que l’art aborde des questions aussi brûlantes : de nombreux artistes l’ont fait au cours de leur carrière de manière militante, réactive et pertinente. Cette exposition, en revanche, offre sa contribution à la critique écologiste-sociale par une voie plus indirecte, mais non moins urgente et opportune. Le parcours de l’exposition ne considère pas la question comme quelque chose de spécifique, mais l’ouvre et l’amplifie en explorant d’autres aspects, parfois ambigus et contradictoires, voire harmonieux, suggérant la possibilité d’une renaissance du milieu naturel, puisque la vie sur Terre a une énorme capacité de résilience ».

Si les œuvres de Mona Hatoum et Pier Paolo Calzolari décrire les effets extrêmes que le climat peut engendrer dans le monde physique, comme dans « Flooded » de Kim Juree, où l’on peut assister à la dissolution d’une architecture d’argile, qui nous montre la force perturbatrice que le éléments, comme l’eau, sont capables de produire.

Gideon Mendel avec ses photographies, d’autre part, a documenté la dévastation laissée par l’apparition de plus en plus fréquente d’inondations aux quatre coins de la planète.

A mi-chemin entre documentation et mise en scène, l’approche didactique de ces œuvres est renforcée par sa composante esthétique. De la même manière, la vidéo d’Ange Leccia suggère l’idée de l’augmentation du niveau des mers à travers des images évocatrices de la montée des eaux défiant la gravité.

La croissance vertigineuse de la population humaine et son expansion vorace et incontrôlée, et l’exploitation des ressources environnementales qui en résulte, met également au premier plan la relation avec les autres êtres vivants qui peuplent la Terre et qu’on a vu, pendant le confinement, se réapproprier les rues de la ville. Ces apparitions se retrouvent dans les sculptures de Davide Rivalta, dont les gorilles – un animal en voie de disparition – accueillent le public à l’entrée de la Galerie.

La crise de la biodiversité, la spirale de l’extinction des espèces animales et végétales et les critiques à l’égard du développement violent des zones urbanisées sont au centre des travaux de Daphne Wright et Ida Applebroog, et ressortent avec une subtile ironie dans le petit roadrunner immobile au Frontière américano-mexicaine représentée par Alejandro Prieto.

Les contradictions ne manquent pas, comme dans l’image troublante de la vidéo de Jonathas de Andrade où le pêcheur enlace et caresse le poisson qu’il fait agoniser.

L’augmentation de la population de la planète va de pair avec la surproduction de biens et l’augmentation conséquente des déchets : ce sont les ordures dépeintes avec une élégance éloquente par Chris Jordan dans leur massivité. Les processus d’urbanisation et de technologisation de plus en plus importants dans le monde montrent peu de considération pour l’environnement naturel, donnant lieu à des phénomènes inquiétants tels que les marées noires décrites par Allan Sekula. Les plantes agitées par des machines dans les sculptures en mouvement de Rachel Young soulignent ce phénomène, comme la manipulation génétique et le passage aux cyborgs et à la robotisation. Le lyrisme visuel de Johanna Calle agit à l’inverse : elle construit un arbre à l’aide d’une machine à écrire.

Les arbres sont également les protagonistes des œuvres de Cecylia Malik, qui attire l’attention sur la déforestation aveugle qui a eu lieu en Pologne, en opposant la mort des troncs coupés à la vie, avec des mères qui, assises sur ce qui reste de la forêt, allaitent leurs enfants. Avec cinq troncs d’arbres miroirs, Michelangelo Pistoletto crée une image ouverte sur les relations entre la présence humaine et l’environnement. Dans sa peinture, Alex Cerveny transforme la silhouette humaine en un arbre fruitier, entouré d’oiseaux.

D’autres œuvres nous rappellent, comme le fait la vidéo de John Baldessari, combien trop souvent l’homme se place en position de supériorité quasi patriarcale sur la nature, s’impose à elle. Cristina Lucas, dans « To the Wild », montre une jeune femme courageuse qui défie le système par ses propres mécanismes. En recourant à des pratiques juridiques, elle désintègre son rapport à la civilisation pour revenir à la nature, renversant les processus de rédemption fondés au Moyen Âge et longtemps utilisés en Europe et dans ses colonies.

Le clip vidéo du duo Ibeyi semble exprimer le contraire du contrôle hiérarchique sur la nature dans une chanson adressée au fleuve, comme s’il s’agissait d’Ochún, la déesse yoruba de l’eau douce, à qui les artistes chantent en langue nigériane. Sur tout un mur de la galerie, les eaux flottent dans le ciel, dans une cosmologie liquide et poétique, peinte spécifiquement pour cette exposition par Sandra Cinto.

Le travail d’Andrea Santarlasci peut plutôt être vu comme une expression délicate du contraste entre la nature et l’environnement bâti. Ayrson Heráclito et Joceval Santos, artistes ainsi que prêtres candomblés, exécutent un grand ebbó, une « purification » cérémonielle du monde soigneusement préparée selon les traditions yoruba du Brésil. L’œuvre combine ainsi ritualité sacrée afro-brésilienne et performance, dans une tentative imaginative de débarrasser la sphère terrestre des maux qui l’affligent.

A l’opposé, d’autres artistes évoquent plutôt une coexistence harmonieuse avec la nature, comme dans la puissante photographie de doigts de yucca mise en scène par Raquel Paiewonski, où la main (l’outil biologique auquel on doit l’émergence d’Homo Sapiens) devient une racine comestible qui a été le principal aliment cultivé par les Tainos dans les Caraïbes précolombiennes, et continue d’être important dans le régime alimentaire de la région aujourd’hui.

Glenda León suggère une renaissance dans son piano fleuri. La vie a une énorme capacité de résilience, qui la fait rebondir après des situations défavorables ou inhabituelles, offrant toujours un peu d’espoir. Les protagonistes de l’œuvre de Renata Boero Kronos sont les temps des phénomènes et des transformations, les relations entre les matériaux et leur attraction ou leur répulsion. Presque comme un rituel, où la couleur est aussi odeur et sensation, dans la quête d’un tout où l’inexorabilité de la matière naturelle, abandonne toute médiation linguistique et conduit directement à la vie.

Ces travaux s’appuient sur la pluralité méthodologique, sur le pouvoir communicatif de l’image, sur la poésie, sur l’élan sémantique. Certaines des œuvres ont été créées sans l’intention spécifique de commenter des questions écologiques, mais ont été incluses pour leur capacité à contribuer à l’élaboration du sujet. Au final, chaque œuvre est polysémique et toujours ouverte à l’interprétation. « Point chaud. Prendre soin d’un monde qui brûle » ne propose pas de slogans mais veut plutôt prendre soin du monde aussi à travers l’art, en nous invitant à réfléchir, de manières très diverses et subjectives, sur les graves problèmes de la planète dans leur complexité, et pas seulement sur le plan écologique et social.

L’exposition, spécialement conçue pour les espaces de la Galerie, présente les œuvres de 27 artistes du monde entier et appartenant à différentes générations : Ida Applebroog (Bronx, New York, 1929), John Baldessari (National City, Californie, États-Unis, 1931— Los Angeles, Californie, États-Unis, 2020), Renata Boero (Gênes, 1936), Johanna Calle (Bogotá, Colombie, 1965), Pier Paolo Calzolari (Bologne, 1943), Alex Cerveny (San Paolo, Brésil, 1963), Sandra Cinto (Santo Andre, Brasile, 1968), Jonathas de Andrade (Maceio, Brasile, 1982), Filippo de Pisis (Ferrara, 1896 – Milan, 1956), Mona Hatoum (Beyrouth, Liban, 1952), Ayrson Heráclito (Macauba, Brasile, 1968), Ibeyi (Lisa-Kaindé Diaz et Naomi Diaz, Parigi, 1994), Chris Jordan (San Francisco, Californie, États-Unis, 1963), Juree Kim (Masan, Corea del Sud, 1980), Glenda León (L’Avana, Cuba, 1976), Ange Leccia (Barrettali, France, 1952), Cristina Lucas (Jaen, Spagna, 1973), Cecylia Malik (Cracovia, Polonia, 1975), Gideon Mendel (Johannesburg, Afrique du Sud, 1 959), Raquel Paiewonsky (Puerto Plata, Repubblica Dominicana, 1969), Michelangelo Pistoletto (Biella, 1933), Alejandro Prieto (Guadalajara, Messico, 1976), Davide Rivalta (Bologne, 1974), Andrea Santarlasci (Pise, 1964), Allan Sekula (Erie, Pennsylvanie, États-Unis, 1951 – Los Angeles, Californie, États-Unis, 2013), Daphne Wright (Longford, Repubblica di Irlanda, 1963), Rachel Youn (Abington, Pennsylvanie, États-Unis, 1994).

Rdv sur https://lagallerianazionale.com/




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